В ХХI веке о моде стало принято уже безо всяких стеснений говорить как о роде искусства, – а дизайнеров одежды теперь повсеместно называют современными художниками. Их показы все больше похожи на перформансы, а модели одежды - на арт-объекты. Почему произошло такое тесное сближение этих двух разных по смыслам и сути сфер, я задумалась и начала свое исследование несколько лет назад. Ответ на этот вопрос я искала как на модных показах, так и в студиях известных художников, на Венецианской биеннале и всевозможных арт-событиях.

До начала ХХ века отношения моды и искусства можно было выразить просто: мода перед искусством была в большом долгу. Долг этот накопился за тот огромный промежуток времени, когда не было ни модных журналов, ни тем более Интернета и телевидения. В те далекие времена сообщить о новых модных тенденциях можно быть только одним способом – написав портрет, предпочтительно салонный или же парадный. 

Уже к XVI веку ни один европейский двор не мог обойтись без придворного живописца. Это была крайне необходимая должность: как иначе многочисленные подданные могли бы увидеть, как выглядит августейший монарх? Стоит добавить, что европейские короли и королевы всегда были не только властелинами, но и законодателями мод – причем моды менялись, в зависимости от влияния той или иной страны в Европе.   

Начиная с XVIII века “иконами стиля” становились не только царствующие особы, но и фаворитки королей, а также наиболее видные аристократки. Каждый портрет такой дамы – целый журнал моды, законченная энциклопедия самых актуальных трендов своего времени.  

По картинам французского живописца Жана-Огюста Доминика Энгра историки моды изучают костюм XIX века – настолько тщательно он прорисовывал детали на роскошных платьях своих великолепных современниц.

Таким образом, всегда мода была частью искусства. Но постепенно дизайнеры одежды добились того, что к моде начали относиться как к вполне самостоятельному искусству. У первого в истории моды кутюрье Чарльза Фредерика Ворта была большая художественная коллекция, в которой он зачастую и черпал вдохновение. Так было положено начало прямой взаимосвязи моды и изобразительного искусства. И чем дальше развивалась мода, тем теснее она переплеталась с искусством. Уже Полю Пуаре, задававшему тон в моде начала ХХ столетия, рисунки для набивных тканей создавали великий француз Анри Матисс и художник-декоратор Рауль Дюфи. Коко Шанель пошла еще дальше – мало того, что искусство было ее постоянным источником вдохновения, Габриэль Шанель активно поддерживала и спонсировала инициативы своих друзей – Жана Кокто, Пьера Реверди, Сергея Дягилева, Игоря Стравинского, Поля Ириба. Последний кстати не только был возлюбленным Габриэль, но еще и придумывал ювелирные украшения для ее дома. Итальянка Эльза Скьяпарелли вообще вошла в историю моды благодаря своим экспериментам с произведениями искусства – она смело использовала работы Сальвадора Дали или Жана Кокто как рисунки для платьев. Одержимость искусством последнего великого дизайнера ХХ века Ива сен Лорана вдохновила его на создание платьев по мотивам полотен Пита Мондриана, Энди Уорхола и Роя Лихтенштейна. Его коллекция произведений искусства считалась лучшей частной коллекцией ХХ века.

Искусство – лучший источник вдохновения для дизайнеров одежды, которым постоянно требуется инъекция новизны. Дочь Пола Маккартни, британский дизайнер Стелла Маккартни в 2006 году создала потрясающую коллекцию совместно с известным художником и своим другом Джеффом Кунсом. Его принты украшали платья, а знаменитые кролики стали в ее коллекции браслетами. 

Джефф Кунс 

«Я просто обожаю Стеллу. Она фантастическая. Не удивлюсь, что в будущем мы снова поработаем! Мне очень нравится то, что Стелла делала для детской линии марки Gap. Все мои четверо мальчиков с удовольствием носят ее одежду», - поделился со мной Джефф на одном из открытий в PinchukArtCentre.

Иногда художники идут на то, чтобы создавать уникальный принт специально для дизайнера одежды: так иллюстатор Джеймс Джин нарисовал фей для летней коллекции Миуччии Прады 2009 года. Сумки и платья с изображением фей стали настоящим хитом, а о Джеймсе Джине узнали модницы всего мира. Вообще, вклад Миуччии Прада в развитие отношений моды и art неоценим. 16 лет назад Миучча Прада организовала Fondazione Prada, поддерживающий современных художников. Переодически эта организация устраивает масштабные выставки и печатает альбомы известных художников. На прошедшей Венецианской биеннале Fondazione Prada презентовал целую ретроспективу работ известного американского художника Джона Уэсли – за этим последовала коллекция молодежной линии Prada, марки Miu Miu, созданная совместно с ним. Все наряды весенне-летней коллекции дома украшали принты Уэсли. Коллекция была таким хитом, что даже в разгар сезона найти эти пресловутые вещи было крайне не просто. Не говоря уже о том, что они не дожили до стоков, как обычно случается с коллекциями больших домов моды.

Пожалуй, уже не один современный художник не представляет своего творческого резюме без строчки «вклад в моду». Даже самый дорогой художник современности Дэмиен Херст сделал дизайн культовой модели джинсов Levi’s номер 501. Капсульную коллекцию представили в рамках Нью-Йоркской недели моды в Gagosian gallery.

Прелесть подобных вещей, созданных в союзе с известными художниками - в том, что они никогда не выйдут из моды. Ведь как можно объявить неактуальным платье, принт для которого создан самим Джеффом Кунсом?   

Не только дизайнеры заимствуют идеи в искусстве – зачастую и художники черпают вдохновение в моде. Британец Люсьен Фрейд, один из самых дорогих художников современности, рисует беременную Кейт Мосс. Супермодель становится прообразом для золотой статуи Марка Куинна, который называет ее новой Афродитой. 

Зачем домам моды работать с современным искусством? Благодаря таким альянсам они привлекают к своим коллекциям больше внимания, моментально приобретая статус “интеллектуальных”. Кроме Prada, плодовито и интересно в современной модной индустрии с искусством работает дом Louis Vuitton. Его креативный директор, Марк Джейкобс не раз привлекал всемирно известных художников к работе над своими коллекциями (стоит ли говорить, что Джейкобс в обязательном порядке посещает Венецианскую биеннале и ходит в гости на открытие выставок Fondazione Prada). Сумки, созданные в результате таких союзов, становились настоящими хитами, а дом моды закрепил за собой статус передового и провокационнго. 

Джейкобсу прекрасно удается уловить главные тенденции – он всегда работает с лучшими и самыми интересными художниками. В 2001 году это был Стивен Спрауз, бог андеграундной арт-сцены Нью-Йорка 80-х. Тогда рисунки в виде неоновых граффити появляются на сумках и становятся настоящей сенсацией – такого от буржуазной марки не ожидал никто. Финансовый успех этой акции был настолько велик, что уже в следующем году аксессуары марки делает иллюстратор Джули Верхувен, а в 2004 сумки разукрашивает известный япоский художник Такаши Мураками. 

2006 год для Louis Vuitton ознаменовался необычными рождественскими витринами: над ними поработал датчанин Олафур Элиассон. Его инсталляция «Я вижу тебя» украсила 350 магазинов марки. Сам художник - известный противник роскоши:

 Олафур Элиассон (Мюнхен, 2008 год)

«С ними очень хорошо работалось, но Louis Vuitton – родом из  чрезвычайно гламурной среды, к которой я отношусь довольно скептически».

В 2008 Джейкобс работает с американским художником Ричардом Принсом, выпуская на подиум супер-моделей в образе знаменитых медсестер художника.

Показы как перформансы и вообще достойны отдельной статьи, да что там статьи – в моей домашней библиотеке есть несколько толстых книг, изучающих феномен таких модных шоу. К моему большому сожелению, таких показов сейчас становится все меньше. В докризисное время (а на модной индустрии дефолт сказался очень сильно), за одну неделю моды в Париже можно было запросто побывать на трех, а то и пяти показах, по сложности исполнения и глубине концепции не уступающих художественным перформансам. К тому же за последние два года мир моды лишился двух величайших дизайнеров, славившихся своим умением делать из презентаций своих коллекций настоящие шоу, - Александр МаКуин покочил жизнь самоубийством в возрасте 40 лет, а Джона Гальяно со скандалом выгнали из дома Dior. 

 

Выдержки из моих интевью:

Терри Ричардсон, фотограф:

«Все, кого я знаю из мира искусства, делают на этом деньги. Это капитализм чистой воды. В этом нет ничего сверхмеркантильного – просто это еще один способ заработать деньги. Мода – это не исскусство. Но создавать ее может только человек исключительно творческий. И мне очень жаль, что сейчас мода превращается в чистый бизнес».

Колин МакДауелл, модный критик:

«Мода - это всегда коммерция. Никто не задержится в этом бизнессе, если люди перестанут покупать вещи. Главное, что есть дизайнеры, которые умеют зарабатывать деньги, не уходя в чистую коммерцию. Например, Вивьенн Вествуд, Джон Гальяно, Марк Джейкобс, конечно и Александр Маккуин был таким дизайнером».   

Ян Фабр, художник:

«Мода – это все равно что новости. Поэтому с искусством она не имеет ничего общего. Искусство всегда делается с рассчетом на будущее, а мода – на здесь и сейчас.

- Тем не менее, многие художники сотрудничают с дизайнерами одежды. Например, Джефф Кунс, который представлен на этой выставке. Вы видите себя в такой роли?

Нет. Джефф Кунс - американец, а я фламандец. Я родом из совершенно иной культуры. Конечно, существуют хорошие дизайнеры одежды. У нас в Бельгии – это Ann Demeulemeester, Martin Margiela. В мире - это такие марки как Chanel, Dior. Но для меня это все равно не профессия. Это совсем иное отношение к обществу, духовным ценностям. Мода – это то, что мы носим и потом выбрасываем. Искусство работает совсем по другому принципу. Дизайнеры одежды просто-напросто используют художников! Но я - пас! Не в моей работе!»

Анет Мессажер, художница:

- Многие Ваши работы сконцентрированы на женщине. Считаете ли Вы, что мода для женщины играет существенную роль?

 «Мы вынуждены что-то надевать ежедневно. Одежда - это наша вторая кожа, она нас покрывает и персонализирует. Хотя в наше время мода делает всех людей одинаковыми. Это меня огорчает. Но в то же время именно благодаря одежде мы способны выделиться из общей массы. Это удивительная двойственность».

«Относительно творческих союзов художников с дизайнерами одежды у меня есть много сомнений. Хотя работы Ива Сен-Лорана, посвященные Мондриану и Матиссу, я нахожу удачными».

Мода на art коснулась и Украины – отечественные дизайнеры с удовольствием приняли общемировую тенденцию сотрудничества с художниками. Летом 2010 года дизайнер Ксения Марченко пригласила Владимира Кузнецова, чтобы тот перенес свои авторские вышивки на ее одежду, из чего родилась специальная коллекция «Заговоры». В процессе создания своей весенне-летней коллекции Лилия Пустовит использовала работы Павла Макова, переосмыслив их в качестве принтов. Пожалуй, мода на art еще никогда не была выражена столь очевидно – посмотрим, к чему приведет такое тесное сближение.

Дарья Шаповалова