С 13 по 26 июня в музее Богдана и Варвары Ханенко была представлена уникальная выставка «Спасенные сокровища Италии», состоящая из 17 картин, похищенных в ноябре 2015 года из музея Кастельвеккио в Вероне.

 

Каждая из семнадцати картин выставки является уникальным шедевром западноевропейского искусства. Своеобразной визиткой музея Кастельвеккио является «Портрет мальчика с детским рисунком» художника эпохи Возрождения Джованни Франческо Карото (1480-1555 гг.). Первоначально Джованни Франческо Карото был подмастерьем у Либерале да Верона (1445-1526/1529 гг.) – консервативного художника, творчество которого было подобно стилю Мантеньи. После пребывания в Милане в картинах Карото стало более проявляться влияние таких художников, как Франческо Бонсиньори, Леонардо да Винчи, Рафаэля и Джулио Романо, но, вместе с тем, Джованни Карото никогда не терял определенную индивидуальность. Художник лучше всего известен тем, что обучался, наряду с младшим Антонио Бадиле, у выдающегося венецианского художника-маньериста Паоло Веронезе.

 

 

«Портрет мальчика с детским рисунком» – абсолютно уникальное произведение. На картине изображен молодой мальчик, показывающий свой рисунок, который, несмотря на его крайнюю схематичность, предположительно является его автопортретом. Наивный рисунок ребенка придает этой картине особое место в истории портрета. Это одна из первых и редчайших картин ребенка, который ведет себя, как и полагается детям в таком возрасте. Наличие маленьких детей в картинах не было чем-то новым в эпоху Возрождения: художники часто писали фигурки херувимов, амуров, путти и Иисуса в младенчестве. «Портрет мальчика с детским рисунком» особенно примечателен, так как он является одной из первых работ, которые показывают ребенка в его фактической внешности, в то время как на остальных картинах того периода дети предстают, как правило, в виде миниатюрных взрослых. Этот портретный образ – важный графический документ, дополняющий наши представления о жизни и обычаях эпохи.

 

На выставке представлена ещё одна картина Джованни Франческо Карото – «Портрет молодого монаха-бенедиктинца». Портрет бенедиктинского монаха, вероятно, написан позднее «Портрета мальчика с детским рисунком». Монах изображен в черной накидке с капюшоном на нейтральном фоне. Его взгляд наполнен задумчивостью и грустью. В руке у него молитвенник, указательный палец находится между страницами, которые он, вероятно, читал. Светлая кожа монаха ярко контрастирует с его чёрным одеянием, а вся картина в целом навевает некий дух меланхолии. Портрет написан маслом на небольшом полотне размером 43х33 см.

 

 

Также заслуживает особого внимания картина одного из величайших художников Италии Пизанелло «Мадонна с перепелицей». Живописец, график, медальер Антонио ди Пуччо Пизано (1392/1395-1455 гг.), известный более как Пизанелло, учился у известных живописцев Стефано да Верона и Джентиле да Фабриано. Работал в Риме, Венеции, Мантуе, Ферраре при дворе герцога Лионелло д'Эсте, был приглашён в Неаполь королём Альфонсо Арагонским. В первых работах Пизанелло заметно сильное влияние традиций флорентийской живописи.

 

 

«Мадонна с перепелицей» является ранней работой Пизанелло, датируемой примерно 1420 г. Картина выполнена темперой и золотом на деревянной доске размером 54х32 см. На картине изображена сидящая в розарии Мадонна с младенцем, которую коронуют два летящих ангела. Художник уделил большое внимание изображению растений и птиц, в том числе перепела на переднем плане, который и дает свое название картине. Изображение перепелицы символизирует бессмертие или, по христианской традиции, спасение. Розарий же представляет собой символ девственной чистоты Марии и является аллюзией Рая. Возвышенный облик сцены усиливается позолоченным фоном. Детали картины прописаны крайне ювелирно, в целом напоминая произведения готического искусства.

 

Среди картин выставки также присутствует творение основателя династии венецианских художников Якопо Беллини «Покаяние Святого Иеронима». Якопо Беллини (1400-1470 гг.) – итальянский художник, один из основателей стиля ренессансной живописи в Венеции и Северной Италии. Его сыновья Джентиле и Джованни Беллини и его зять Андреа Мантенья были также известными художниками. До сих пор сохранилось очень мало картин Беллини. В его наследии числятся книги с набросками и эскизами (ныне хранятся в Британском музее и в Лувре), которые отображают его интерес к ландшафту и архитектурному дизайну, а сохранившиеся картины показывают, как он соединял линейную перспективу декоративных узоров и богатые цвета венецианской живописи. На его творчество повлияли, в первую очередь, Джентиле да Фабриано и Мазолино да Паникале.

 

 

Очень часто художники, создавая свои произведения искусства, прибегали к текстам Священного Писания. Одной из ключевых была тема раскаяния и прощения грехов.

 

В «Покаянии Святого Иеронима» видны стандартные атрибуты: слёзы, взгляд, устремлённый к распятию, коленопреклонная поза – всё это подчеркивает трагический образ старца. В руках у него камень, которым он бьет себя в грудь в знак покаяния. Изображенная вокруг природа как бы подсказывает, что этот человек отказался от всех земных благ и стал отшельником, дабы получить прощение. Рептилии, окружающие Иеронима, символизируют грех и зло. Такое же семантическое значение имеют и сухие кустарники. В то же время лев, лежащий у его ног, является отсылкой к легенде о том, что когда-то Святой Иероним спас льва, а тот, в благодарность за спасение, стал его постоянным спутником и помощником. Перед ним изображены Вульгата (авторитетный для римской католической церкви латинский перевод Библии, который и сделал Иероним) и распятие как многолетнее свидетельство жертвенной любви Христа ради спасения человека.

 

Среди спасенных шедевров присутствует картина «Святое семейство со святой» художника Андреа Мантенья, который был тесно связан с семьей Беллини. Андреа Мантенья (1431-1506 гг.) – представитель падуанской школы живописи. Учился у усыновившего его художника Франческо Скварчоне. Совместно с Никколо Пиццоло расписал капеллу Оветари в Падуе, украсил фресками капеллу папы Иннокентия VIII, расписал алтарь Сан Дзено. В своей живописи Андреа Мантенья следовал традиции флорентийца Мазаччо, но отдавал предпочтение более стойкой темпере, как это было принято у мастеров Венеции. Он был одним из крупнейших гуманистов Италии, знатоком и собирателем произведений античной культуры. Андреа Мантенья стал радикальным новатором живописи своего времени.

 

 

«Святое семейство со святой» представляет собой полотно 76х55,5 см. Все пространство картины занимают фигуры на переднем плане, которые создают глубину и объем. Изображение Святых основано на классических моделях, а младенец имеет схожесть с Эросом или Дионисом. Благодаря холодным оттенкам создается впечатление меланхолии и некоего благородства. Все персонажи погружены в глубокое размышление и молчание. Взгляды их направлены в разные стороны, а расположение рук и поз напоминает «Мадонну с младенцем» Джованни Беллини.

 

В последние годы своей жизни Андреа Мантенья работал в качестве придворного живописца для трех поколений мантуанских правителей из рода Гонзага. В 1602 году на службу в этот двор пришел и Рубенс. «Портрет дамы с цветами смолёвки» его кисти также был представлен на данной выставке.

 

 

Питер Пауль Рубенс  был ведущим представителем нидерландской живописи XVI-XVII вв., а также, по словам итальянского искусствоведа XX века Джулиано Бриганти, «архетипом барокко». Родившись в протестантской семье, он был вынужден бежать из Бельгии в Германию из-за преследований со стороны католиков. Получив хорошее образование, он посвятил себя живописи, и в 1600 году, после получения звания мастера в Антверпене, приехал в Италию.

 

«Портрет дамы с цветами смолёвки» изначально не считали творением Рубенса, так как на картине не было его подписи. Тем не менее, во время реставрации, была установлена дата картины (1602 г.), которая совпадает с периодом, когда Рубенс находился при дворе Мантуи. Помимо этого, изображенная женщина – вероятно, инфанта Испании Изабелла Клара Евгения, отец которой покровительствовал Рубенсу.

 

У портретируемой направленный на зрителя решительный взгляд и типичное для того времени платье и нагрудник. Красный цветок, – гвоздика на голове женщины, – символизирует страсть: картина была, вероятно, создана в подарок будущему мужу молодой женщины. Лицо написано очень реалистично: гордые глаза, розовые щеки, полные губы. Детали одеяния выполнены с дотошной точностью, что типично для фламандской школы. Изысканная цветочная вышивка нагрудника и украшение на голове сразу привлекают внимание зрителя. Эта работа ещё раз демонстрирует мастерство Рубенса, его своеобразное восприятие человеческой красоты.

 

На выставке «Спасенные сокровища Италии» также представлено 5 произведений Тинторетто, настоящее имя которого – Якопо Робусти (1519-1594 гг.). Прозвище Тинторетто происходит от названия профессии его отца, который работал красильщиком ткани (ит. tintore). Якопо Робусти считается последним великим художником Возрождения и предшественником барокко. Художественное образование он получил у Тициана. В последствии Тинторетто стремился в своих произведениях соединять тициановские блеск и силу красок с совершенством рисунка, которым, по его мнению, никто не обладал в такой степени, как Микеланджело. Занимаясь преимущественно исторической живописью, Тинторетто охотно писал также и портреты, из которых многие поражают превосходной постановкой фигур, выразительностью, силой красок и широким приёмом исполнения.

 

«Мадонна, кормящая младенца Христа» изображена в поэтическом ключе. Художник выбрал темный фон и отсутствие ландшафта, дабы привлечь всё внимание зрителя на главных героев картины, которые отмечены контрастными цветами и яркими переходами света и тени, что ещё больше подчеркивает эмоциональность изображаемого. Мадонна изображена в момент кормления грудью младенца Иисуса. Её наблюдающий взгляд преисполнен любовью и нежностью к ребенку. Она бережно держит младенца на руках. Мадонна здесь изображена не столь как персонаж обожествленный, сколь как обычная женщина, с обыкновенными рутинными заботами о своём чаде. Обнаженная грудь показывает её материнскую женственность и красоту.

 

 

«Самсон и филистимляне», «Пир Валтасара», «Суд царя Соломона» и «Перенесение Ковчега Завета» являются группой картин из четырех деревянных панелей (26.5х79 см) на библейские сюжеты, написанными Якопо Тинторетто в середине XVI века. Можно предположить, что эти картины были частью интерьера: скорее всего, они служили декорацией для сундука-кессона. Венецианский художник в этих четырех картинах сумел прекрасно передать сюжеты из Ветхого Завета.

 

Самсон является одним из наиболее часто изображаемых библейских персонажей. Он представляет собой символ еврейской культуры и почитается в качестве освободителя народа Израиля от филистимлян. Самсон иногда даже считается полубогом, поскольку он имеет необычайную силу, которой его, по легенде, наградил бог. Его уникальная и легендарная история всегда имела сильное влияние на художников разных эпох и художественных течений, так что она стала одной из наиболее изученных тем. В данной картине Самсон стоит в героической позе среди безжизненных тел филистимлян. Контрасты света и тени придают этой картине ещё большую театральность.

 

 

«Пир Валтасара» изображает библейскую историю, которая является неотъемлемой частью еврейской культуры и которую любили изображать многие художники. Сцена изображает вавилонского царя Валтасара, который, по легенде, в ночь взятия Вавилона персами на устроенном им последнем пиру, святотатственно использовал на нём для еды и напитков священные сосуды, вывезенные отцом из Иерусалимского храма. В разгар веселья на стене появились начертанные таинственной рукой слова: «мене, мене, текел, упарсин». Пророк Даниил истолковал надпись, в переводе с арамейского означающую: «Исчислено, исчислено, взвешено, разделено» – и расшифровал их как послание Бога Валтасару, предсказал скорую гибель ему и его царству. В ту же ночь Валтасар погиб. Тинторетто удалось донести до зрителя сильный пафос и напряженность, которыми пронизана вся сцена.

 

 

«Суд царя Соломона» изображает историю из Ветхого Завета, в которой рассказывается, как однажды к царю Соломону пришли две женщины с просьбой разрешить их спор. Они жили в одном доме и у каждой был сын. Ночью одна из женщин во сне нечаянно придушила своего сына и переложила мертвого к другой, а ее живого сына взяла к себе. И каждая из женщин утверждала, что живой ребенок принадлежит именно ей. Тогда Соломон велел подать ему меч и разрубить ребенка пополам, дабы каждой было по половине. Одна женщина, испугавшись, сказала, что пусть лучше его заберет живым другая, а та, в свою очередь, согласилась, чтобы ребенка разрубили. Таким образом царь понял, кому принадлежит живой ребенок. Картина Тинторетто выполнена крайне динамично, лица изображаемых пронизаны волнением. Сгущающиеся тучи на заднем плане подчеркивают трагизм и напряженность события.

 

 

На картине «Перенесение Ковчега Завета» изображен Давид, несущий деревянный ящик в Иерусалим и люди, сопровождающие путешествие с песнями и танцами. В торжественном перенесении ковчега на телеге, которую вели Оза и Ахия, волы наклонили ковчег. Оза простер руку к Ковчегу, чтобы придержать его, и за это дерзновение был наказан от бога мгновенной смертью. Перед ковчегом изображено безжизненное тело. Серо-желтое контрастное небо подчеркивает трагичность сцены. Тинторетто прекрасно изобразил резкий переход от праздничной атмосферы к ошеломляющему созерцанию смерти.

 

 

Мастерство Тинторетто-портретиста представляет произведение «Портрет аристократа», а два не менее красивых портрета «Портрет венецианского адмирала»  и «Портрет Марко Паскуалиго» принадлежат кисти его сына и помощника в многочисленных монументальных росписях венецианских дворцов и храмов – Доменико Тинторетто.

 

 

Два живописных пейзажа, представленных на выставке, «Морской порт» и «Пейзаж с водопадом», созданы мастером из Гааги по имени Ганс де Йоде (1630-1662 гг.), который принадлежал к кругу голландских художников, работавших для венского двора. Эти пейзажи прописаны с невероятным вниманием к деталям. В них видна любовь художника к природе. Плавные переходы цветов, светлые небеса на обоих картинах переносят зрителя в эти удивительные, наполненные спокойствием уголки Италии.

 

«Морской порт»

 

«Пейзаж с водопадом»

 

В числе украденных картин также есть «Портрет Джироламо Помпеи», написанный итальянским художником Джованни Бенини в 1790 году. Портрет написан в неоклассическом стиле по случаю смерти веронского интеллектуала, писателя и поэта Джироламо Помпеи. Благородный профиль писателя изображен на синем фоне. Возле него золотистой краской прописаны его инициалы. Бюст Джироламо окружен венком из лавровых листьев. Ещё большее величие ему придают лежащие внизу книга, исписанные листы и перо. Вероятно, это произведение попало в руки грабителей ошибочно, поскольку имя этого мастера созвучно с фамилией известной художественной династии Беллини.

 

 

После выставки все картины будут возвращены обратно в музей Кастельвеккио в Вероне.

 

 

 

 

 

***

 

Анна Евона — начинающая художница, пианистка. Студентка Национальной Академии  изобразительных искусств и архитектуры.