З 14 до 18 червня проходитиме міжнародна виставка мистецтв Art Basel 2018 в місті Базель, Швейцарія. Виставка представляє великий інтерес для художників, мистецтвознавців, колекціонерів, критиків, дилерів, представників ЗМІ, адже надає безпрецедентну можливість побачити більшість з найсвіжіших та найцікавіших робіт з усього світу. Напередодні старту масштабного арт-ярмарку, ART UKRAINE публікує унікальний текст статті Крістін Алфері «Що відбувається з «мистецтвом», якщо воно є частиною соціального контракту». 

Після повернення з Art Basel я досліджувала творчість декількох художників, роботи яких викликали у мене рефлективну реакцію. Під рефлективною реакцією я маю на увазі, що я зупинилася, підійшла до стенду і подивилася уважніше, а згодом повернулася кілька разів. Що мене привабило? Що приваблює будь-кого? Щось особисте / суб'єктивне, унікальне та індивідуальне чи засноване на колективному мисленні? 

 

Я вирішила дослідити творчість трьох художників: Марка Бредфорда, Жана-Мішеля Баскії і Макса Вітика, щоб відповісти на це запитання. Під час Art Basel Miami твори Баскії були у центрі уваги, адже на попередньому перегляді Леонардо Ді Капріо, котрий блукав зі своїм супроводом, шукаючи собі придбання, провів більше 45 хвилин, торгуючись за малюнок Баскії вартістю понад $850 тисяч. “Володар “Оскара”, який намагався, але не зміг цілком приховати свою персону під бейсбольною кепкою і чорною толстовкою, провів більше години на стенді нью-йоркської галереї Van de Weghe на Арт-Базелі в Майамі, під час VIP-перегляду в середу. Робота Жан-Мішеля Баскії 1983 року під назвою “Провід”, розміром 76 х 56 см, підписана і названа на зворотному боці, зображає постать, що дивиться на муху зі словами на відповідних частинах “зуби”, “печінка”, “коліно”, і великим “не торкайтеся до проводу” (Page Six.)

 

Також з онлайн-публікації “Page Six”: “Кращим продажем на Art Basel Miami Beach вважають “Зроблено в Японії” Жан-Мішеля Баскії, твору, який, як кажуть, був проданий менше ніж за 15 мільйонів доларів у Helly Nahmad Gallery. Джерела повідомляють, що твір придбав керуючий активами колекціонер мистецтва грецького походження Димитрій Мавромматіс”.

 

Ще одне ім'я, яке було на слуху під час Art Basel, Miami Art Week, — Марк Бредфорд. Митець був запрошений на Венеційську бієнале як представник Сполучених Штатів. Саме тоді, коли один твір у стенді Hauser & Wirth Gallery змусив мене підійти ближче. Це була робота сучасного мистецтва, “Moon Rocks” (“Місячне каміння”). Я й гадки не мала, що це робота Марка Бредфорда. Мені дали брошуру, а співробітниця сказала, що в ній наведені приклади робіт, які Бредфорд повіз на бієнале. Я увійшла, мене привабила сучасна робота, а венеційська бієнале вважалася найстарішим і найбільшим художнім фестивалем у світі. Я не змогла протиснутися до стенду, тому що Марк Бредфорд сьогодні є одним з провідних художників. Його творчість, згідно з публікацією в Hyperallergic Newsletter від 17 травня 2017 року, розповідає про «Темну сторону демократії» та «Мерехтіння надії». В американському павільйоні робота художника здобуває новий контекст: це боротьба з лицемірством демократії Джефферсона. ... Робота привернула мою увагу, а не те, що вона була виконана Марком Бредфордом.

 

Жан-Мішель Баскія, Провід (1983), масляна пастель на папері, 76 х 56 см, фото: artnet.com

 

Твори Макса Вітика, художника, народженого у Львові, Україна, були, здавалося б, позбавлені будь-яких коментарів про соціальну несправедливість. Що привело мене до стенду Tauvers International Gallery, так це величезні барвисті полотна, які вкривали кожен його квадратний дюйм. Енергія, пристрасть, несподіваність робіт були приголомшливими. Свіжа, наївна манера, що приваблює мене в роботах Джоан Мітчелл, Міро, Клеє, Кунінга, все це було там. Ці “сирі” штрихи, незалежні, унікальні індивідуальні штрихи, які роблять твори Вітика мистецтвом. Нахла Самаха, мистецтвознавець з Каїру пише: “Емоційна вразливість Воїнів Світла, запал, їхній заклик до змін; це як піти на війну оголеним...певна оголеність, захищена тільки непохитною переконаністю в ідеалах. Творчість Вітика не надто схожа на особистий проект, більше на оду, або акцію поклоніння духу змін — духу, переслідуваному довірливою надією на щось краще...щасливіше”.  Вивчаючи полотна Макса Вітика через кілька тижнів, я дізналася, що роботи на стенді “Воїни світла” відображають історичні революційні події, які Вітик пережив протягом 2011-2015 років. “Революція 2011 року в Єгипті разом із подіями, які її супроводжували, породила потік культурного вираження у вигляді вуличного мистецтва, перформансу. Це художнє пробудження проявило почуття, думки, ідеї про суспільно-політичний трансформаційний період Єгипту. Площа Тахрір, відома місцевим жителям як майдан-ель-Тахрір, стала фізичним символом змін. Хвиля протестів і демонстрацій, що має назву Євромайдан, охопила всю Україну. Протестуючі вимагали відставки чинного президента і його уряду та інтеграції в ЄС. Порушення громадського порядку, війна, бунти, біль, страх, надія, зміни, прагнення. Крізь потрясіння весь час з’являвся певний промінь світла ...і в міру того, як промінь світла посилювався, виникали смутні форми, танці фігур, схожих на міражі, і тремтіння. Це були Воїни Світла, революційний символ України. Художник Макс Вітик закарбував їх такими, якими вони дійсно мають бути: ніби діти, надійні, позитивні, яскраві, наївні і простодушні” (Макс Вітик: “Воїни світла”. Макс Вітик. С. 13. Родовід). “Вічна тема Вітика —  це конфлікт між розумом і емоціями. Його мистецтво —  це єдине місце, де він може бути вільним від обмежень” (Там само, с. 19).

 

Хіба не в цьому питання: як показати конфлікт між розумом і емоцією у витворі мистецтва? Або в тому, що спонукає кого-небудь уважніше розглянути твір мистецтва, про що я вже говорила? Це особиста / суб'єктивна унікальність і індивідуальний шарм, або щось, засноване на колективному, політичному образі мислення? Коли робота починає вважатися та класифікуватися як мистецтво? Візуальний дискурс, візуально записана історія створюють політичні бінарності чи ставлять запитання, як  зобразити конфлікт між розумом і емоцією?

 

Багато хто говорить, що мистецтво є суб'єктивним — те, як ми оцінюємо, завжди має певну суб'єктивність, змішану з нашою оцінкою. Нічого не поробиш. Мене приваблювали штрихи, і кольори, якими користувалися автори, і форми, створені з негативних і позитивних просторів. Знаки дуже особисті. Колір може бути об'єктивним, але те, як він використовується і в яких комбінаціях, може зробити його унікальним для практики митця. Якщо він не є чимось унікальним, то його застосування стає питанням суто технічним. Я використовую слово “техне” тут, щоб позначити ремесло або майстерність і правила. Не в значенні естетичного.

 

Макс Вітик, Воїн Світла (2015). Змішані медіа на полотні, 300 х 200 см. Фото: Tauvers International Gallery

 

Коли я розглядаю твір мистецтва, моя освіта дає про себе знати. “Правила” з’являються природним чином, вони схожі на читання абетки. Одного разу на запитання, які її критерії для оцінки твору мистецтва, суддя сказала мені: “Я перевіряю принципи та елементи дизайну, але в творах мистецтва, відзначених нагородами, я шукаю дещо більше. Я починаю міркувати, чи намагався художник щосили досліджувати творчість —  поставити свій особистий знак у власній роботі. Зазвичай саме це про щось мені говорить”. (Keiko Tanabe).  Ось що таке моя рефлективна реакція. У цьому відношенні мистецтво сьогодні — щось більше, ніж старі правила. Старі правила вже не визначають цінність в мистецтві. Так, вони допомагають створити відмінну композицію, але вони не є вирішальними в кінцевій грі, коли справа доходить до цінності в мистецтві.

 

Сам художник в роботі має для мене першорядне значення. Саме тому я спиняюся, обертаюся, мене затягує в стенд. Необробленість, нешліфованість твору, тому що, визнаємо ми це чи ні, людина, без усієї цієї високої батьківської культури, є просто чимось необробленим, індивідуальним. Ця сирість, витонченість існує в будь-якому стилі та будь-яких медіа, але зустрічається рідко. Часто, коли художник стає впізнаваним і успішним, рідкісність стає відполірованою, рутинною і втраченою.

 

Самі художники мають великий багаж, його не можна стерти. Художники ніколи не стоять перед чистим полотном. Їхній гнів, їхня радість, їхнє горе, страхи, надії, здивування,  біль — усе це має кричати з робіт. Простіше кажучи, цей гнів, радість, печаль належать їм , а не колективу, який використовує ці якості для ідентифікації.

 

Коли Марк Бредфорд починав як художник, його робота кричала про соціальну несправедливість і проблеми з землею. “Мої страхи, — заявляв він, — не можна ігнорувати. Мої страхи — це вказівник для всіх, хто хоче бачити і чути мою прихильність до своєї культури і духовного, природного способу життя .... Через мої страхи мене не можна ігнорувати. Вони говорять про ці істини від імені багатьох людей у ​​всьому світі. Моє повідомлення не можна залишити вас байдужими”.

 

Не страхи Марка Бредфорда привертали увагу до його творчості — це були його твори. Людей приваблював він та його щире прагнення знайти себе, тому що він був поза нормальним, загальноприйнятим способом мислення. Він знаходив себе на межі речей, і його це влаштовувало. Легко було опинитися на межі, коли він починав у шістдесяті роки, адже його проблеми були проблемами бейбі-бумерів, які виступали проти війни, проти бюстгальтерів, діти квітів, які за мир, мир, мир. Людей приваблювали роботи Бредфорда, адже тоді норма їх не влаштовувала і вони шукали свою особисту правду, особисту ідентичність. Вони вийшли за межі своїх приватних студій, за межі системи. Вони знайшли спільноту, яка приймала індивідуальність і незалежність, унікальність. Середовище шістдесятих років, тогочасні спільноти, шанували пошуки особистості і прославляли незалежного художника, поважного і сміливого.

 

Марк Бредфорд, Місячне каміння (2017), змішані медіа на полотні. Фото: JOSHUA WHITE © MARK BRADFORD, COURTESY MARK BRADFORD AND HAUSER & WIRTH. "Місячне каміння" Марка Бредфорда експонувалося в рамках дня закритих продажів на Art Basel Miami Beach 2017

 

Підйом Жан-Мішеля Баскії до слави також почався з його “сирості”. Його перша робота, показана в 1981 році на виставці New York / New Wave у галереї PS1 в Нью-Йорку, яку курував Дієго Кортес, поряд з роботами Кіта Харінга і Роберта Меплторпа, була необрамленою і невинною. Обличчя, автомобілі, літаки могли бути малюнками маленької дитини. Його агресивні, сердиті жести, краплі і графіті наповнювали його композиції. Пізніше його творчість втратила цю унікальність, коли він прогресував і став частиною арт-сцени разом з Енді Ворголом. Його медіа змінилися, він більше не творив на рваних папірцях і порожніх стінах будівель або на дерев’яних відходах, замість цього у нього з’явилася велика студія і полотна для графічних чорно-білих фігур. Баскія більше не був назовні. Це змінило його творчість і його самого. Його пізня творчість стала шаблонною.

 

Спільнота любителів мистецтва і колекціонерів, які шукали оригінальність в 60-х роках, почала кричати, що унікальності не існує, що все це просте повторення, нових ідей немає. Серед них був Воргол. Розуміння незалежності та індивідуальності всередині спільноти у вісімдесятих роках змінилося від шанування незалежності людини до шанування спільноти. Вважалося, що єдиний спосіб розпізнати людину — дослідити через групу, колектив. Люди знаходили силу і могутність у груповому мисленні. Думаючи, що вони борються за індивідуальність, вони вирішили, що сила в чисельності. Індивіди і їхня незалежність стали маріонетками в руках тих, хто сказав їм подумати про себе й те, за що вони стоять. Ті, хто це зробив, як Баскія, погодилися з колективною точкою зору. Робота, яка викликала у мене рефлексивну реакцію, була зроблена як Ворголом, так і Баскією. В ній було дуже мало Баскії і багато Воргола. Ніби великі блоки кольору Воргола перекрили необроблену і незалежну індивідуальну манеру Баскії. Чи стали твори Баскії цікавими для колекціонерів завдяки таким товариствам, як товариство Воргола? Я б відповіла “так”.

 

У 80-х і 90-х роках концепції незалежності та індивідуальності стали втрачати ту силу, яку вони мали в 60-х роках. Робота повинна була  відповідати дивану. Легше було щось зіставити, аніж думати про щось, не кажучи вже про інакші точки зору. Заразом, розуміння золотого правила змінилося: поводьтеся поруч з іншими так, як ви хотіли б, щоб вони поводилися поруч з вами. Ті у групі, хто ніколи не знав, як знайти свою індивідуальність, думали, що вони можуть знайти її, допомагаючи менш талановитим, що їхня самість / душа буде сяяти. Вони забули допомогти собі і повністю втратили свою індивідуальність. Концепція небуття і чистоти Дао, яка визначала людину 60-х, почала позначати групу.

 

На творчість Баскії, як і Бредфорда, вплинуло те саме ідеальне, що їх поєднало. Його незавершену сутність огорнуло колективне мислення, яке кричало: “Ми за вас, вашу унікальність ”, але це саме колективне мислення стерло те, за що вони боролися. На шляху до успіху Баскія ніколи не думав, що досягне його, і зрештою успіх був зруйнований колективним мисленням, яке забрало його і прагнення бути тим, ким він був насправді.

 

Спільнота вимагає лояльності до групи. Спільнота стала схожою на банду, з лідером і ворогом. Про індивідуальність йшлося з точки зору того, як окремі люди вписувалися в групу. Отже, його зробила відомим не творчість, а колективне мислення про соціальну несправедливість. Оскільки Баскія був аутсайдером, таким як інші автори 60-х років, його взяли. Але сама “аутсайдерність” почала псуватися, тому що  стала  політикою і засобом вираження думки спільноти.

 

Жан-Мішель Баскія, Зроблено в Японії (1983), акрил та масляна пастель на полотні, 153.6 х 97.7 см, фото: Helly Nahmad Gallery

 

Не доводиться сумніватися в тому, що твори Баскії можна було б показати на Венеційській бієнале, як твори Бредфорда, якби він був досі живий. Баскія, як і Бредфорд, погодився б із груповим уявленням про індивідуальність. Що насправді означає те, що її немає, тепер всі соціальні крики однакові, це стає просто гучним шумом.

 

Це те, чим мистецтво є сьогодні? Соціальне повідомлення, створене колективом. Індивідуальність все ще існує, але багато хто боїться виходити на вулицю і бути чорною вівцею в отарі.

 

Як я хотіла думати про роботу Бредфорда сьогодні? Як я дізналася, Бредфорд стверджує, що зрештою він став менш радикальним у своїх думках і роботі. “Дивитися на світ і відчувати щось, то є різні речі. Ти витягаєш надзвичайні ситуації зі світу і все ще вимагаєш краси, відмовляєшся бачити тільки жахіття в світі, думаючи, що має бути щось, що відбувається в студії”. “Отже, я все ще вірю, що світ є прекрасне місце, і  вважаю, що всередині мене є краса, але я хочу також сказати, що бував у магазинах спиртних напоїв і бував трохи неохайним. Я готовий зізнатися , що у мене є історія, і дозволити їй прорватися і виплеснутися. Але є й неабияка віра”. І ця заява Бредфорда продовжує згадуватися мені, всі його твори, які я бачу, затінені цим самим твердженням; “Ідея заглиблення в себе означає, що ви зустрінете певне просвітлення. Ковбої зустріли просвітлення – індіанців, духовність, землю. Але якщо ми “розпакуємо” мою історію в цій країні, то привезені сюди раби пройшли через рабство, через Джима Кроу. Можливо, саме тому я вирішив схопитися за ті речі, які витікали з мого соціального положення, вони могли змусити мене зрозуміти, досвід деяких жахів, які я успадкував разом зі своїм поколінням. Але чи хотів я заглиблюватися всередину? Це дуже привілейована ідея, думати, що ви увійдете в темну, але освічену частину вас. Це схоже на кожну студію йоги, і кожен духовний ретріт - біла жінка середнього / вищого класу, яка заміщає індіанця”.

 

Нісенітниця! Його творчість, навіть той первісний досвід, який я відчула від “Moon Rocks”, втратила всю мою довіру з цією заявою. У їхньому стаді немає чорних овець, тільки великий баран, який веде стадо по скелі. Чи може бути стадо без барана? Так, я  вважаю. Це може статися в мистецтві? Так, можливо, але ми повинні зрозуміти, де унікальність в роботі, чи є вона стадним менталітетом, створеним группою. Чи є це тою унікальністю, яка цінується творцем і не слугує, аби сподобатися?

 

Всі ці індивідуальні проекти  звертаються до нас. Потреба цінувати мистецтво не за його соціальну критику або історичну документацію, а за його впертість досі кричати, щоб індивід міг говорити. Пошук індивідуального – це не якась форма внутрішнього просвітлення; знайти голос важко і часто пошук вимагає часу, часто це лякає, але якщо ми поважатимемо людей за їхню унікальність, а не здатність копіювати ідеали коллективу, ми просунемося у мистецтві. Цікаво, але робота Макса Вітика не показує страху колективної соціальної критики. Він лише говорить дещо важливе в незалежній і дуже ризикованій авторській манері.